Punto y al arte

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Posts Tagged ‘Películas’

Las mejores películas de Kirk Douglas

Posted by asociacionpya en febrero 7, 2020

Kirk Douglas ha muerto a los 103 años de edad. Protagonista de clásicos inolvidables nos deja sus películas.

Estas son los títulos imprescindibles de su filmografía.

Senderos de gloria (8,5 en Filmaffinity)Primera Guerra Mundial (1914-1918). En 1916, en Francia, el general Boulard ordena la conquista de una inexpugnable posición alemana y encarga esa misión al ambicioso general Mireau. El encargado de dirigir el ataque será el coronel Dax. La toma de la colina resulta un infierno, y el regimiento emprende la retirada hacia las trincheras. El alto mando militar, irritado por la derrota, decide imponer al regimiento un terrible castigo que sirva de ejemplo a los demás soldados.

Cautivos del mal (8,1 en Filmaffinity) Un tiránico y manipulador productor de cine (Kirk Douglas), que ha caído en desgracia, pide ayuda a un director (Barry Sullivan), a una actriz (Lana Turner) y a un guionista (Dick Powell), a los que ayudó a triunfar, pero que tienen sobradas razones para detestarlo. Los tres le reprocharán su falta de escrúpulos para alcanzar el éxito sin reparar en las personas a las que traicionaba o engañaba.

Retorno al pasado (8,1 en Filmaffinity) Jeff Bailey, un antiguo detective, posee una gasolinera en un pequeño pueblo, donde lleva una vida tranquila y sencilla. Sus amores son la pesca y una joven con la que quiere casarse. Inesperadamente, recibe la visita de un viejo conocido que le anuncia que el jefe quiere verlo. Bailey se ve entonces obligado a contarle a su novia su turbio pasado.

Espartaco (8 en Filmaffinity) Espartaco era un esclavo tracio que fue vendido como gladiador a Léntulo Batiato. En Italia promovió y dirigió la rebelión de los esclavos (73-71 a.C.) contra la República romana. A medida que recorrían el país, innumerables esclavos se iban sumando a la rebelión. Espartaco intentará llegar con su ejército al sur de Italia para poner rumbo a sus hogares.

El gran carnaval (8 en Filmaffinity) Charles Tatum es un periodista sin escrúpulos que atraviesa una mala racha a causa de su adicción al alcohol, razón por la que se ha visto obligado a trabajar en un pequeño diario de Nuevo México. Cuando un minero indio se queda atrapado en un túnel, Tatum ve la oportunidad de volver a triunfar en el mundo del periodismo. Entonces, en connivencia con el sheriff del pueblo, no sólo convierte el caso en un espectáculo, sino que, además, retrasa cuanto puede el rescate. Dirigida por Billy Wilder.

Carta a tres esposas (7,7 en Filmaffinity) Tres mujeres reciben una carta de una amiga llamada Addey Ross en la que les dice que se ha fugado con uno de sus maridos. A partir de aquí veremos las dudas y los temores de las tres esposas sobre sus respectivos matrimonios, en una narración articulada en flashbacks en los que vemos diversas escenas de sus matrimonios.

Un extraño en mi vida (7,6 en Filmaffinity) Drama de infidelidad entre dos adultos cuyas respectivas parejas no les prestan mucha atención. El arquitecto Larry Coe, casado y con dos hijos, se siente atraído por Margaret Gault desde el momento en que la ve en la parada del autobús escolar. El hijo de Margaret es compañero del hijo menor de Larry. Margaret admira a Larry desde que vio en una revista la casa por la que le dieron un premio. Y también se siente atraída por él. La primera cita es un paseo hasta el terreno en que se levantará la casa que Larry está proyectando.

El día de los tramposos (7,5 en Filmaffinity) Año 1883. Un grupo de condenados ingresa en la prisión federal de Arizona. Entre ellos está Paris Pitman (Kirk Douglas), un hombre que ha enterrado un botín de medio millón de dólares en el desierto y vive con la obsesión de fugarse para recuperarlos. Con este fin trata de convencer a varios presos para que lo secunden y, al mismo tiempo, intenta ganarse la confianza del nuevo alcaide (Henry Fonda).

Duelo de titanes (7,5 en Filmaffinity) Wyatt Earp, el sheriff de Dodge City, se encuentra de nuevo con John “Doc” Holliday, un jugador borracho y tuberculoso a quien salvó la vida en una ocasión. Juntos tendrán que enfrentarse a la banda de los Clanton, una poderosa familia que tiene atemorizado a todo el pueblo.

7 días de mayo (7,5 en Filmaffinity) En plena Guerra Fría, se sospecha que un enigmático general pretende derrocar al Presidente de EE.UU. por medio de un golpe de estado. El Presidente dispone sólo de siete días para encontrar pruebas que le permitan abortar el golpe.

El loco del pelo rojo (7,4 en Filmaffinity) Biopic del famoso pintor impresionista Vincent Van Gogh, que retrata su atormentada vida a partir de su obra, que no es más que un reflejo de la ansiedad, la sensación de fracaso y la soledad que lo llevaron, finalmente, a la locura.

Los valientes andan solos (7,4 en Filmaffinity) Nuevo México, 1953. Jack Burns, un vaquero amante de la libertad y de los horizontes abiertos, llega cabalgando al pueblo de Duke City. Su intención es liberar a su amigo Paul Bondi antes de que lo trasladen a una prisión estatal. Bondi, que ha sido condenado a dos años de cárcel por acoger en su casa a algunos mexicanos que han cruzado ilegalmente la frontera, es un escritor que dejó su vida aventurera para casarse. Jack visita a la esposa de su amigo para exponerle su plan, pero ella lo rechaza, porque cree que puede complicar todavía más la situación.

El extraño amor de Martha Ivers (7,4 en Filmaffinity)Tres amigos de la infancia, Martha, Walter y Sam, comparten un terrible secreto. Con el paso del tiempo, la ambiciosa Martha (Stanwyck) y el pusilánime Walter (Douglas) se han casado: ella es una brillante y fría empresaria, y él es el fiscal del distrito; una combinación perfecta para dominar a su antojo la ciudad de Iverstown. Pero el inesperado regreso de Sam (Heflin) a la ciudad, después de muchos años de ausencia, perturba profundamente la vida de la pareja.

El último tren de Gun Hill  (7,4 en Filmaffinity) El sheriff Matt Morgan (Kirk Douglas) ha jurado llevar ante la justicia al asesino de su esposa, una joven india. Su tarea se complica cuando se entera de que el padre del criminal es un viejo amigo suyo, el ganadero Craig Belden (Anthony Quinn). A pesar de todo, Morgan está decidido a arrestar al culpable y marcharse con él en el tren de las 9:00.

Los vikingos (7,4 en Filmaffinity) En la Alta Edad Media, los vikingos o normandos (hombres del Norte) adoraban a Odin, el dios pagano de la guerra, que los guiaba a través de los mares cada vez que emprendían sus habituales incursiones de saqueo. Einar y Eric, hijos ambos del rey vikingo Ragnar -aunque ignoraban su parentesco-, se odiaban profundamente, pero se vieron obligados a luchar juntos para rescatar a la princesa Morgana, de la que ambos estaban enamorados, de las garras del rey de Inglaterra.

Brigada 21 (7,4 en Filmaffinity) Adaptación de una obra de Broadway que describe la vida cotidiana en una comisaría de policía de Manhattan. Un temperamental policía (Kirk Douglas) recurre a los métodos más implacables para obtener información de cualquier sospechoso de un crimen. Obtuvo cuatro nominaciones a los Óscar de 1952: mejor director, mejor actriz principal (Eleanor Parker), mejor actriz secundaria (Lee Grant) y mejor guión adaptado.

El ídolo de barro (7,3 en Filmaffinity) Midge Kelly y su hermano se dirigen a California. En la carretera, los recoge el boxeador Johnny Dunne que va a pelear en Kansas acompañado de su novia Grace, que les invita a presenciar el combate. Allí Midge llama la atención del mánager Tommy Haley, que presiente que tiene talento y le hace una oferta, pero Midge la rechaza. Los dos hermanos encuentran trabajo en un café regentado por Lew Bryce y su hija Emma. Cuando Midge y la chica se hacen novios, el padre de ella los obliga a casarse. Después de la boda, Midge recurre a Haley y llega a ser un aceptable boxeador, aunque excesivamente violento. Finalmente, decide abandonar a su mánager y empieza a pelear para unos gánsters.

Camino de la horca (7,3 en Filmaffinity) Un sheriff escolta a un hombre acusado de un crimen y a su hija al pueblo donde debe ser juzgado, Al mismo tiempo, tendrá que evitar que sea linchado.

Río de sangre (7,2 en Filmaffinity) Jim y Boone son dos exploradores que participan en una expedición por el río Missouri cuyo fin es establecer un asentamiento en territorio indio. Les acompañan un comerciante de pieles, una guía india y un indio que ha renegado de su tribu. A los peligros de la expedición se sumará la tensión que se establece entre los hombres debido a la belleza de la mujer.

El último atardecer (7,2 en Filmaffinity) Brendan O’Malley (Kirk Douglas), un antiguo pistolero, llega a México para buscar a Belle Breckenridge (Dorothy Malone), que resulta estar casada con un borracho (Cotten). Éste le pide ayuda para conducir un rebaño a Texas. Tras los pasos de O’Malley va Dana Stribling (Rock Hudson), un vengativo sheriff que tiene motivos personales para arrestarlo.

20.000 leguas de viaje submarino (7,1 en Filmaffinity) Adaptación de la novela homónima de Julio Verne. En 1870, debido a los relatos de marineros que aseguran haber visto un monstruo marino al sur del Pacífico, los Estados Unidos fletan un buque de guerra para destruir a la bestia que altera la tranquilidad de los mares. Pero, cuando el monstruo los ataca, de nada sirve todo su poderío bélico para evitar el desastre. Tras el hundimiento del buque, los tripulantes son rescatados por el propio “monstruo”, que resulta ser un buque capaz de sumergirse en el mar, algo inédito hasta entonces.

Dos semanas en otra ciudad (7,1 en Filmaffinity) Después de haber pasado tres años en un centro psiquiátrico, Jack Andrus, un actor acabado, vuela a Roma invitado por un director amigo suyo que le ofrece un pequeño papel en una película que está rodando en los estudios de Cinecittà. Andrus acepta la oferta con la esperanza de recuperar la fama. Lo malo es que en Roma se encuentra con su exmujer, la responsable de su crisis artística y personal.

La pradera sin ley (7,1 en Filmaffinity) Dempsey Rae (Kirk Douglas), un vaquero errante, se traslada de Kansas City a Wyoming, donde espera iniciar una nueva vida. En el tren en el que viaja como polizón, se hace amigo de un joven (William Campbell), a quien llamarán “Texas” cuando empiecen a trabajar en el rancho más importante de condado. Los problemas surgen cuando llega la nueva propietaria, Reed Bowman (Jeanne Crain), una ambiciosa mujer que está dispuesta a monopolizar los pastos y a no respetar las alambradas de los pequeños rancheros.

El trompetista (7,1 en Filmaffinity) Con una trompeta de segunda mano, y siguiendo los pasos de un brillante músico de blues, un chaval se convierte en un músico excelente cuyo talento le lleva de los más lúgubre tugurios a los clubs con más clase de la ciudad. Pero su desesperada búsqueda por la melodía atrapada en su mente (pero que le es imposible tocar) le lleva al tortuoso mundo de la bebida.

Ciudad sin piedad (7 en Filmaffinity) Cuatro soldados americanos son juzgados por un consejo militar, acusados de haber violado a una joven alemana del pueblo cercano al campamento militar. El Mayor Steve Garrett recibe el desagradable encargo de defender a los soldados. Pronto se da cuenta de que el ejército, el pueblo y la familia de la joven están más interesados en la venganza que en el bienestar de la víctima y Garrett se ve ante el dilema de destruir a la chica en el estrado para salvar a sus clientes. La víctima acude al juicio para declarar, pero no soporta la tensión de las preguntas y tiene que retirarse. El veredicto del jurado es absolutamente inesperado.

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Despedidas de Yojiro Takita

Posted by asociacionpya en enero 30, 2012

Un joven violonchelista se queda sin trabajo y tiene que volver a su pueblo natal. Allí tendrá que trabajar de embalsamador, una profesión muy mal vista socialmente. La vuelta a la casa de sus padres y su atípico trabajo le llevarán a afrontar la vida con madurez, a resolver las cuestiones pendientes con su pasado, a tomar las riendas de su futuro, a aprender a ser fiel a sí mismo y mirar la muerte con otros ojos.

Despedidas, de Yojiro Takita recibió el Oscar a la Mejor película en habla no inglesa en 2008 y es una de esas películas que se convierten en inolvidables. Un argumento muy original, una música preciosa, una muy buena fotografía, paisajes extraordinarios, toques de humor y una gran emotividad alejada de cualquier cliché o truco fácil la convierte en un film maravilloso. Una historia luminosa sobre la valentía con la que se debería hacer frente a la propia existencia y el respeto con el que se tendría que contemplar la muerte, esa muerte que no es algo sucio ni oscuro, esa muerte que es simplemente y nada menos que el último momento de una vida.

………….

PD: Imprescindible verla en versión original subtitulada.

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La ola (Die Welle)

Posted by asociacionpya en diciembre 27, 2011

En 1967, un profesor de instituto americano, Ron Jones, se enfrentó a la pregunta de un alumno: ¿Cómo los alemanes fueron capaces de permitir que los nazis llevaran a cabo el holocausto judío? Jones llevó a cabo días después un experimento que sirvió para mostrar a sus alumnos como las masas podían ser manipulables y de qué forma pudo una comunidad participar en un régimen como el nazi.

El profesor impuso un régimen disciplinario, un uniforme, un lema (Fuerza mediante la disciplina, fuerza mediante la comunidad, fuerza a través de la acción, fuerza a través del orgullo) e incluso un nombre para el movimiento “La tercera ola”. Lo que impresiona fue el resultado del experimento: en menos de cuatro días, el movimiento se expandió de tal forma que el grupo rechazaba a cualquiera que no siguiese sus normas, y muchos alumnos de toda la escuela pidieron cambiar de clase para poder unirse a él. La prueba se le fue de las manos y tuvo que suspenderla.

Sobre estos hechos reales Todd Strasser, con el pseudónimo Morton Rhue, escribió una novela y en el año 2000 se estrenó un musical.

En el año 2008 Dennis Gansel dirigió esta película que fue la más vista en Alemania ese año. Gansel sitúa los hechos en Alemania en nuestros días y transforma la historia real dotándola de más dramatismo. El resultado es una fábula pedagógica, interesante, que hace plantearse muchas cosas. Totalmente recomendable.

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El viento nos llevará

Posted by asociacionpya en octubre 17, 2010

Es difícil expresar con palabras toda la belleza y la frescura de esta película de Kiarostami. A medio camino entre el cine y el reportaje, El viento nos llevará nos transporta a un pueblo perdido en las montañas de Irán, donde tres reporteros esperan la muerte de una anciana para poder rodar una ceremonia tradicional de duelo.

Partiendo de un presupuesto tan realista como obsceno, Kiarostami presenta una narración limpia, en la que la complejidad de la cultura árabe, con sus luces y sombras, se muestra de forma transparente. La base de esa complejidad es la oposición de dos mundos: el mundo rural de mentalidad tradicional, el que esconde a la mujer, el que la relega y la esclaviza, y el mundo urbano, el que presenta ciertos avances sociales pero que, al mismo tiempo, no deja de ser machista, ha cedido al estress, el cinismo y la falta de ética y ha perdido también muchos valores antiguos que quizá merecía la pena conservar: la alegría y la dedicación con la que trabaja la gente sencilla, la generosidad, el sentido de comunidad, la hospitalidad con el viajero…

Uno de los elementos más llamativos de la película es la presencia constante de las mujeres, a las que Abbas Kiarostami quiere dar un protagonismo que de ninguna manera tienen en la vida real: la madre joven que tiene un hijo tras otro, la dueña de un bar, las mujeres que son marcadas en la cara en un ritual doloroso tras la muerte de un familiar, la muchacha con la que el reportero habla a solas en un país en el que algo así no está permitido (la escena fue prohibida en Irán por su supuesta carga erótica)… Parece que Kiarostami no quiere juzgar sino sólo mostrar, pero si se decanta por algo es por las mujeres. En esa escena, el periodista recita un poema de la poeta feminista Forough Farrokhzad famosa por sus poesía llena de sensualidad. El título del poema es el que da nombre a la película El viento nos llevará consigo, un poema que simboliza todo el ansia de libertad, todo el deseo de abrir las ventanas, de dejar atrás la pequeñez del mundo de la mujer árabe.

Una película formalmente sencilla pero llena de matices y de autenticidad. Para acercarse sin juicios previos de valor a la realidad del mundo árabe. Para dejarnos llevar por sus calles y sus paisajes. Para descubrir por nosotros mismos una o muchas verdades.

EL VIENTO NOS LLEVARA CONSIGO

En mi pequeña noche
¡Ay!
El viento tiene una cita con las hojas de los árboles
En mi pequeña noche
Amenaza la ruina

¡Escucha¡
¿Oyes la corriente de las tinieblas?
Yo miro distante esta felicidad
Apegada estoy a mi desesperanza

¡Escucha!
¿Oyes la corriente de las tinieblas?
Algo atraviesa la noche
La luna está roja y agitada
Y sobre este techo que a cada instante parece derrumbarse
Las nubes aguardan enlutadas
A derramar sus lágrimas

Un instante.
Y después nada
Detrás de esta ventana tiembla la noche
Y la tierra deja de girar
Detrás de esta ventana algo desconocido
Esta pendiente de nosotros

¡Ah!, tú, verde, todo verde,
Pon tus manos como un recuerdo encendido
En mis manos amantes
Y como un cálido sentimiento de existencia
Confía tus labios a las caricias de mis amantes labios.

El viento nos llevará consigo.


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Bagdad Café

Posted by asociacionpya en septiembre 27, 2010


b0000618Crítica sin spoiler.

Merece la pena ver está película. Rara pero con un montón de detalles que la hacen única. Deja muy buen rollo…

Y ahora, análisis de algunos elementos. ¡¡ Muucho spoiler !!

Un café de una gasolinera en medio del desierto es el escenario donde se cuenta esta historia extraña pero hermosa por lo que tiene de canto a la amistad y al optimismo.

Una turista alemana riñe con su marido y echa a andar por el desierto con su pesada maleta hasta que encuentra un lugar donde pasar una noche. El lugar, mugriento y habitado por una fauna de personajes solitarios, se verá trasformado gracias a esa mujer, que no sólo limpiará y ordenará el lugar, sino que llenará esas vidas de bondad, de alegría y de color.

Una película hecha con pocos medios, con un montón de detalles que la han convertido en una película de culto.

A destacar:

  • Paralelamente a la vida de los personajes, el color de la cinta evoluciona poco a poco, desde un tono amarillento, arenoso, falto de nitidez al brillante multicolor del café transformado en cabaret.
  • La ausencia total de personajes arquetípicos. El respeto, sobre todo, a los personajes femeninos.
  • La sensualidad de la protagonista que sin ajustarse precisamente al prototipo de belleza actual es preciosa y se muestra tanto más hermosa cuanto más natural.
  • La mutua seducción. Las escenas del pintor y la modelo que se desnuda poco a poco hace sonreir de pura gracia e ingenuidad.
  • El juego que plantea sobre la inmigración. La “inmigrante” sin visado es una alemana, de pura raza aria. Esta alemana llega a un lugar donde el policía es un indio nativo americano con trenzas, la familia que la acoge es negra, el camarero hispano… Un juego divertido en el que de nuevo están ausentes los tópicos.
  • La presencia de la magia, de la santidad. Jazmine es el hada buena, la “santita”. Cuando ella no está no hay magia.

Una película para sonreir, para aprender que un poco de paciencia, de amor y de amistad puede llenar de felicidad nuestra vida.

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Belleza robada

Posted by asociacionpya en abril 30, 2010

Todo es hermoso en esta película de Bertolucci: el paisaje de la Toscana italiana, los campos, el cielo, las estatuas de la casa de piedra y los jardines, la protagonista (una jovencísima Liv Tyler), la banda sonora, las puestas de sol junto a un olivo centenario, los primeros besos, la luz y las sombras en las escenas de sexo, los poemas, las palabras, las miradas…

Lucy es una joven americana que va a pasar una temporada a Italia a casa de unos amigos de su madre fallecida, con la intención de averiguar quién es su verdadero padre y con el recuerdo de un primer amor. En esa casa, la chica tiene que lidiar con un grupo de artistas y poetas, que la acogen en un mundo bohemio y liberal.

Tratándose de un personaje casi adolescente, de una niña-mujer tan bella, el sexo está en todos lados en la película. Bertolucci consigue sin embargo, aprovechar los tópicos de lo que es ya casi un género (abusos, relaciones dentro de la familia) para crear una tensión dramática que luego se queda simplemente en temores infundados. El sexo dentro de ese grupo de adultos y casi adultos es limpio, puro disfrute, puro hedonismo. Hasta los condenados a muerte se agarran a lo hermoso de la vida dentro del sufrimiento.

Belleza robada es una obra esteticista sobre las ganas de vivir, sobre el triunfo de la luz sobre la oscuridad. Preciosa y sin duda minusvalorada. Una invitación a sentir la vida como un verano perpetuo. Imperfecto, pero cálido. Con un punto de ingenuidad e intenso, lleno de todos los olores, de todos los colores, de toda la amistad y de todo el amor, ese que también puede ser imperfecto pero que es verdadero.

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La vida secreta de las palabras

Posted by asociacionpya en abril 22, 2010

Existen muchas formas de hablar sobre el dolor, del mismo modo que existen muchas formas de hablar sobre la guerra o sobre la soledad. Isabel Coixet tiene una forma muy personal de contar las cosas y es de esa forma suya, sin ruido, con el amor de fondo, como habla sobre el dolor. La vida secreta de las palabras es una película muy Coixet, en la que los protagonistas pasean un silencio cargado de tristeza por la cubierta de una plataforma petrolífera, en la que la intimidad dentro de una habitación se crea con palabras que no se pronuncian, con mentiras que sólo son un juego, con cuentos que, como todos los cuentos, encierran las mayores verdades.

Coixet habla del dolor en voz baja, en susurros, pero lo sentimos tan claro como si lo gritara. No hace falta mostrar, no hace falta hablar, no hace falta pronunciar aquello de lo que no se puede hablar… Los secretos que esconden las palabras son muy fuertes. En la película llegamos a conocer dos de esos secretos, es un hallazgo la forma en la que sugiere que hay otros secretos, los de los otros habitantes de esa isla en medio del mar. Pero hay algo que aún nos gusta más: Isabel habla del mayor de los horrores, de la tortura de los recuerdos pero también de la salvación, de los futuros, de la posibilidad de que haya una esperanza. De este modo libera la película, libera a los protagonistas y a los espectadores de la tragedia.

Coixet hace un cine muy personal. Hay gente a la que no le gustan sus formas. Hay otros que, sin embargo, valoramos que una directora española sea capaz de hablar de temas interesantes, dándoles un enfoque no manido y currándose los guiones. También que nos deje disfrutar de actores como Tim Robbins (impresionante), Javier Cámara o su actriz fetiche Sarah Polley, que sea capaz de crear atmósferas propias y que pueda mostrar lo más inhumano y todas las penas del mundo sin que haga falta explicitar el horror en la pantalla.

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La cinta blanca

Posted by asociacionpya en marzo 9, 2010

La cinta blanca es casi una obra maestra. Dura, desapacible, oscura a pesar de la maravillosa claridad de los trigales que fotografía, la película con la que Michael Haneke nos sorprende es mucho más que una obra sobre una época histórica. La recreación de un pueblo alemán en el año previo al estallido de la primera guerra mundial, da pie a la puesta en escena de un panorama sobrecogedor. Impresiona pensar que Hitler se crió en un lugar así, que Hitler pudo vivir un ambiente parecido en su casa, en su comunidad… Pero en realidad no son hechos históricos lo que Haneke quiere contar, de lo que el director alemán quiere hablar es del efecto devastador que puede provocar el mal que un ser humano causa a otro y lo hace de una forma perfecta.

En el colectivo que Heneke nos presenta existen dos relaciones perversas: la relación del poderoso (del barón avaro, mezquino, vengativo e injusto) frente a sus gobernados y la relación entre padres (también injustos, también brutales) y sus hijos. Con el trasfondo de la primera, de las relaciones sociales de poder, el guión se centra en la segunda con lo que el tema predominante en la película es la educación, destacando lo importante que es lo que el individuo vive en su niñez y adolescencia. La película es dura pues se muestra toda la basura que hay dentro de las familias y de las casas: el maltrato físico y psíquico, los abusos sexuales, la educación férrea, el peso de una religión protestante que se usa como instrumento de poder y de humillación, la hipocresía de una sociedad que predica el bien y que no lo practica. En la película los protagonistas son los niños, la pureza que se corrompe, la infancia dolorida que aplica exactamente la justicia que se les enseña: el rencor y la venganza.

Llama la atención que en esa educación se echa de menos la presencia de las mujeres. Las madres o están muertas o ausentes de alguna manera (no protegen, no salvan). Se impone la primacía masculina, los instintos (la sexualidad, la violencia) más animales. Es la madre la que falta, es la ternura, la bondad, la protección la que falta. El resultado es un grupo de críos que forman su propia “sociedad” aparte reproduciendo lo que han aprendido. Cualquiera de los personajes, cualquier ser humano que haya sufrido como estos personajes podría convertirse en un monstruo como lo fue Hitler.

Pocos adultos parecen estar al margen de la barbarie. Sin embargo, unos se resignan, a uno se le castiga y otro (el maestro) simplemente observa y narra sin entrometerse. La resonancia con la época hitleriana es también evidente: la destrucción implacable de los justos, la pasividad de la gran mayoría influyó también en todo lo que ocurrió en Alemania.

El film es tan complejo que podrían comentarse muchas cosas. La atención a los mínimos detalles, la forma de exponer lo más repulsivo sin mostrarlo directamente, el modo en que una película de dos horas y media no se hace larga, la manera en la que el director consigue que el espectador se meta de lleno en el ambiente que se narra, el desconcierto que causa el hecho de que todas las historias se queden abiertas y los misterios inconclusos… Es esto último lo que no permite que la película sea redonda pues el espectador busca respuestas a los enigmas. Haneke, sin embargo, parece haberlo hecho a conciencia, obligando al espectador a unir historias y pensar conclusiones.

La película ha estado nominada al Oscar y no se lo ha llevado. No se pueden quitar méritos a El secreto de sus ojos pues es preciosa, sin embargo, la profundidad, la universalidad de la obra de Haneke, la hace quizá más interesante, más intemporal y más intensa.

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Enlaces relacionados:

El secreto de sus ojos

Los falsificadores

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Balzac y la joven costurera china

Posted by asociacionpya en febrero 28, 2010

No es frecuente que un escritor adapte y dirija la versión cinematográfica de su propia novela, y las pocas veces que esto ocurre, se espera una fidelidad mayor al original que la que se ha dado en este caso. Dai Sijie, dirige Balzac y la joven costurera china, con no poco acierto y logrando una película interesante y entretenida, en la que destacan la belleza de los paisajes y el trabajo de los tres actores protagonistas. En comparación con el libro, sin embargo, la película se queda muy coja. La historia es la misma, la de dos jóvenes chinos que son enviados a reeducarse a la montaña en época de la revolución de Mao, dos chicos que acaban compartiendo felicidad y problemas y refugiándose en los libros, en la música y en general en el arte. Por algunas razón, sin embargo, Sijie como director, se limita a contar las anécdotas del libro, cambiando multitud de detalles (no se sabe para qué) sin llegar a lograr una obra tan redonda como la novela.

En la novela destaca el tono: el hecho de que sea capaz de describir una época dura, un régimen dictatorial opresivo, las terrible condiciones de trabajo y de vida de la población china, la agobiante falta de libertad con un tono ligero, impregnado de la alegría, la esperanza, la valentía y la juventud de los protagonistas. Destaca también la forma en la que profundiza en el valor de la lectura y del arte tanto para el individuo como para la sociedad. En la película, aunque no deja de ser amena y agradable, no se llega a ver esa profundidad.

En definitiva, una novela para disfrutar de cada palabra y una película para pasar el rato. Instrucciones de uso, las habituales: primero leer, después ver.

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Medianoche en el jardín del bien y del mal

Posted by asociacionpya en enero 17, 2010

Basada en la novela del mismo título de Jonh Berendt (1994)

Medianoche en el jardín del bien y del mal es una película atípica en la filmografía de Clint Eastwood como director. Una salida de tono como ya ocurriera con Los puentes de Madison. Si en ésta se lanzaba a crear una de las historias de amor más emotivas que se hayan rodado, en Medianoche… el resultado es casi una comedia, adornada con toques mágicos o fantásticos.

En torno a un suceso judicial (un nuevo rico asesina a su amante gay) y con el trasfondo de un retrato de la sociedad sureña, Eastwood quiere hacer una reflexión sobre la justicia, y apuesta por demostrar que el que la hace la paga. De una manera u otra, aunque pueda burlar la ley, aunque para la sociedad el criminal quede impune, al final el que hace mal sufre su castigo.

Fabulosos los personajes, principalmente el bienintencionado escritor neoyorkino que va descubriendo y aprendiendo a amar una ciudad tan alucinante como Savannah, y la divertidísima drag queen (impagable la escena en la puesta de largo de las jóvenes de color); brillantes todos y cada uno de los actores y actrices (incluso los secundarios), destacables John Cusack, Kevin Spacey, Jude Law y la maravillosa Lady Chablis, en este drama ligero, amable, en el que el bien y el mal se entremezclan, como el día y la noche, como la realidad y la fantasía, como la vida y la muerte, como la tristeza y la felicidad.

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