Punto y al arte

Literatura, arte, música, cine… para una “inmensa minoría”

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Posts Tagged ‘Cine’

Warrior

Posted by asociacionpya en marzo 5, 2015

Otra película sobre campeonatos de lucha con el trasfondo de drama personal / familiar. Se le perdonan los tópicos y ciertos momentos americanada porque es muy entretenida, muy emocionante y está muy bien realizada y muy bien dirigida. Las interpretaciones impresionantes. Nick Nolte increible. Interesante porque es la historia de los personajes (personajes muy bien pensados, aunténticos “luchadores”) la que soporta el peso de la película, siendo las peleas simplemente ambientación, metáfora y un medio para que estos dos hermanos puedan expresar toda la rabia, todo el afecto, toda la pena, toda la lucha, el odio y el perdón.

Tres personajes complejos, imperfectos, vulnerables y fuertes, tres hombres que afrontan su destino en soledad, que buscan su verdad, enlazados por un finísimo hilo que se rompió a golpes, que vuelve a unirse a golpes.

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Despedidas de Yojiro Takita

Posted by asociacionpya en enero 30, 2012

Un joven violonchelista se queda sin trabajo y tiene que volver a su pueblo natal. Allí tendrá que trabajar de embalsamador, una profesión muy mal vista socialmente. La vuelta a la casa de sus padres y su atípico trabajo le llevarán a afrontar la vida con madurez, a resolver las cuestiones pendientes con su pasado, a tomar las riendas de su futuro, a aprender a ser fiel a sí mismo y mirar la muerte con otros ojos.

Despedidas, de Yojiro Takita recibió el Oscar a la Mejor película en habla no inglesa en 2008 y es una de esas películas que se convierten en inolvidables. Un argumento muy original, una música preciosa, una muy buena fotografía, paisajes extraordinarios, toques de humor y una gran emotividad alejada de cualquier cliché o truco fácil la convierte en un film maravilloso. Una historia luminosa sobre la valentía con la que se debería hacer frente a la propia existencia y el respeto con el que se tendría que contemplar la muerte, esa muerte que no es algo sucio ni oscuro, esa muerte que es simplemente y nada menos que el último momento de una vida.

………….

PD: Imprescindible verla en versión original subtitulada.

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La ola (Die Welle)

Posted by asociacionpya en diciembre 27, 2011

En 1967, un profesor de instituto americano, Ron Jones, se enfrentó a la pregunta de un alumno: ¿Cómo los alemanes fueron capaces de permitir que los nazis llevaran a cabo el holocausto judío? Jones llevó a cabo días después un experimento que sirvió para mostrar a sus alumnos como las masas podían ser manipulables y de qué forma pudo una comunidad participar en un régimen como el nazi.

El profesor impuso un régimen disciplinario, un uniforme, un lema (Fuerza mediante la disciplina, fuerza mediante la comunidad, fuerza a través de la acción, fuerza a través del orgullo) e incluso un nombre para el movimiento “La tercera ola”. Lo que impresiona fue el resultado del experimento: en menos de cuatro días, el movimiento se expandió de tal forma que el grupo rechazaba a cualquiera que no siguiese sus normas, y muchos alumnos de toda la escuela pidieron cambiar de clase para poder unirse a él. La prueba se le fue de las manos y tuvo que suspenderla.

Sobre estos hechos reales Todd Strasser, con el pseudónimo Morton Rhue, escribió una novela y en el año 2000 se estrenó un musical.

En el año 2008 Dennis Gansel dirigió esta película que fue la más vista en Alemania ese año. Gansel sitúa los hechos en Alemania en nuestros días y transforma la historia real dotándola de más dramatismo. El resultado es una fábula pedagógica, interesante, que hace plantearse muchas cosas. Totalmente recomendable.

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Mi hermano es hijo único

Posted by asociacionpya en octubre 10, 2011

Dirigida por Danielle Luchetti y muy premiada en Italia, Mi hermano es hijo único es una película que sorprende gratamente, en especial por su frescura.

Aunque pueden encontrarse algunas críticas que señalan alguna similitud con la serie “Cuéntame” lo cierto es que no tiene nada, pero nada que ver. Es verdad que el argumento se centra en una familia y que refleja el paso del tiempo en la Italia de los 60 y 70, con las consecuentes semejanzas de ambientación. Sin embargo, existen muchas diferencias, especialmente todas las virtudes de la película que la alejan de la narración simplista y del folletín costumbrista que es la serie.

En Mi hermano es hijo único, basado en la novela de Antonio Pennacchi “Il fasciocomunista” el protagonista es un joven fascista, cuyo hermano es un líder de izquierdas y cuyo enfrentamiento va mucho más allá de las ideas. Alejándose de los tópicos, Luchetti, consigue hacer una película sobre una época en la que la política está muy presente pero en la que el tema no es la política. Lejos de juzgar a los personajes, el director los presenta en toda su complejidad, los hace evolucionar y resalta las emociones, los sentimientos, todo lo que en realidad es importante más allá de la fachada exterior, más allá de las circunstancias sociales y políticas que los rodean. En realidad, bajo un tono de comedia consigue que el espectador llegue a empatizar con los personajes, sea cual sea su ideología, pues en el fondo, el micromundo de esta familia está lleno de sensibilidad y de ternura.

A resaltar el trabajo de los actores Elio Germano (Accio) y Riccardo Scamarcio (Manrico) que consiguen transmitir el atractivo y la complejidad de los afectos de los dos personajes protagonistas.

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Berlanga ha muerto

Posted by asociacionpya en noviembre 13, 2010

Es tan triste que haya muerto Berlanga que se queda uno sin palabras. Un cine tan personal, un cine que reflejó tan bien lo tragicómico del carácter español. Cada película suya era un placer pero estas siete ya fueron un lujo.

Bienvenido, Mister Marshall(1953).

Los jueves, milagro (1957)

Plácido (1961).

El verdugo (1963).

La escopeta nacional (1977).

La vaquilla (1985).

Villarriba y Villabajo (una de las mejores series que han existido), (1994).

Justo ayer descubría una de sus últimas apariciones públicas, un video que protagonizó para una campaña de Médicos sin fronteras. Emociona aún más verlo hoy, saber que hay una lucha que siempre se pierde aunque algunas personas, como Berlanga, deberían poder gozar del privilegio de la inmortalidad.

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El viento nos llevará

Posted by asociacionpya en octubre 17, 2010

Es difícil expresar con palabras toda la belleza y la frescura de esta película de Kiarostami. A medio camino entre el cine y el reportaje, El viento nos llevará nos transporta a un pueblo perdido en las montañas de Irán, donde tres reporteros esperan la muerte de una anciana para poder rodar una ceremonia tradicional de duelo.

Partiendo de un presupuesto tan realista como obsceno, Kiarostami presenta una narración limpia, en la que la complejidad de la cultura árabe, con sus luces y sombras, se muestra de forma transparente. La base de esa complejidad es la oposición de dos mundos: el mundo rural de mentalidad tradicional, el que esconde a la mujer, el que la relega y la esclaviza, y el mundo urbano, el que presenta ciertos avances sociales pero que, al mismo tiempo, no deja de ser machista, ha cedido al estress, el cinismo y la falta de ética y ha perdido también muchos valores antiguos que quizá merecía la pena conservar: la alegría y la dedicación con la que trabaja la gente sencilla, la generosidad, el sentido de comunidad, la hospitalidad con el viajero…

Uno de los elementos más llamativos de la película es la presencia constante de las mujeres, a las que Abbas Kiarostami quiere dar un protagonismo que de ninguna manera tienen en la vida real: la madre joven que tiene un hijo tras otro, la dueña de un bar, las mujeres que son marcadas en la cara en un ritual doloroso tras la muerte de un familiar, la muchacha con la que el reportero habla a solas en un país en el que algo así no está permitido (la escena fue prohibida en Irán por su supuesta carga erótica)… Parece que Kiarostami no quiere juzgar sino sólo mostrar, pero si se decanta por algo es por las mujeres. En esa escena, el periodista recita un poema de la poeta feminista Forough Farrokhzad famosa por sus poesía llena de sensualidad. El título del poema es el que da nombre a la película El viento nos llevará consigo, un poema que simboliza todo el ansia de libertad, todo el deseo de abrir las ventanas, de dejar atrás la pequeñez del mundo de la mujer árabe.

Una película formalmente sencilla pero llena de matices y de autenticidad. Para acercarse sin juicios previos de valor a la realidad del mundo árabe. Para dejarnos llevar por sus calles y sus paisajes. Para descubrir por nosotros mismos una o muchas verdades.

EL VIENTO NOS LLEVARA CONSIGO

En mi pequeña noche
¡Ay!
El viento tiene una cita con las hojas de los árboles
En mi pequeña noche
Amenaza la ruina

¡Escucha¡
¿Oyes la corriente de las tinieblas?
Yo miro distante esta felicidad
Apegada estoy a mi desesperanza

¡Escucha!
¿Oyes la corriente de las tinieblas?
Algo atraviesa la noche
La luna está roja y agitada
Y sobre este techo que a cada instante parece derrumbarse
Las nubes aguardan enlutadas
A derramar sus lágrimas

Un instante.
Y después nada
Detrás de esta ventana tiembla la noche
Y la tierra deja de girar
Detrás de esta ventana algo desconocido
Esta pendiente de nosotros

¡Ah!, tú, verde, todo verde,
Pon tus manos como un recuerdo encendido
En mis manos amantes
Y como un cálido sentimiento de existencia
Confía tus labios a las caricias de mis amantes labios.

El viento nos llevará consigo.


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Bagdad Café

Posted by asociacionpya en septiembre 27, 2010


b0000618Crítica sin spoiler.

Merece la pena ver está película. Rara pero con un montón de detalles que la hacen única. Deja muy buen rollo…

Y ahora, análisis de algunos elementos. ¡¡ Muucho spoiler !!

Un café de una gasolinera en medio del desierto es el escenario donde se cuenta esta historia extraña pero hermosa por lo que tiene de canto a la amistad y al optimismo.

Una turista alemana riñe con su marido y echa a andar por el desierto con su pesada maleta hasta que encuentra un lugar donde pasar una noche. El lugar, mugriento y habitado por una fauna de personajes solitarios, se verá trasformado gracias a esa mujer, que no sólo limpiará y ordenará el lugar, sino que llenará esas vidas de bondad, de alegría y de color.

Una película hecha con pocos medios, con un montón de detalles que la han convertido en una película de culto.

A destacar:

  • Paralelamente a la vida de los personajes, el color de la cinta evoluciona poco a poco, desde un tono amarillento, arenoso, falto de nitidez al brillante multicolor del café transformado en cabaret.
  • La ausencia total de personajes arquetípicos. El respeto, sobre todo, a los personajes femeninos.
  • La sensualidad de la protagonista que sin ajustarse precisamente al prototipo de belleza actual es preciosa y se muestra tanto más hermosa cuanto más natural.
  • La mutua seducción. Las escenas del pintor y la modelo que se desnuda poco a poco hace sonreir de pura gracia e ingenuidad.
  • El juego que plantea sobre la inmigración. La “inmigrante” sin visado es una alemana, de pura raza aria. Esta alemana llega a un lugar donde el policía es un indio nativo americano con trenzas, la familia que la acoge es negra, el camarero hispano… Un juego divertido en el que de nuevo están ausentes los tópicos.
  • La presencia de la magia, de la santidad. Jazmine es el hada buena, la “santita”. Cuando ella no está no hay magia.

Una película para sonreir, para aprender que un poco de paciencia, de amor y de amistad puede llenar de felicidad nuestra vida.

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Belleza robada

Posted by asociacionpya en abril 30, 2010

Todo es hermoso en esta película de Bertolucci: el paisaje de la Toscana italiana, los campos, el cielo, las estatuas de la casa de piedra y los jardines, la protagonista (una jovencísima Liv Tyler), la banda sonora, las puestas de sol junto a un olivo centenario, los primeros besos, la luz y las sombras en las escenas de sexo, los poemas, las palabras, las miradas…

Lucy es una joven americana que va a pasar una temporada a Italia a casa de unos amigos de su madre fallecida, con la intención de averiguar quién es su verdadero padre y con el recuerdo de un primer amor. En esa casa, la chica tiene que lidiar con un grupo de artistas y poetas, que la acogen en un mundo bohemio y liberal.

Tratándose de un personaje casi adolescente, de una niña-mujer tan bella, el sexo está en todos lados en la película. Bertolucci consigue sin embargo, aprovechar los tópicos de lo que es ya casi un género (abusos, relaciones dentro de la familia) para crear una tensión dramática que luego se queda simplemente en temores infundados. El sexo dentro de ese grupo de adultos y casi adultos es limpio, puro disfrute, puro hedonismo. Hasta los condenados a muerte se agarran a lo hermoso de la vida dentro del sufrimiento.

Belleza robada es una obra esteticista sobre las ganas de vivir, sobre el triunfo de la luz sobre la oscuridad. Preciosa y sin duda minusvalorada. Una invitación a sentir la vida como un verano perpetuo. Imperfecto, pero cálido. Con un punto de ingenuidad e intenso, lleno de todos los olores, de todos los colores, de toda la amistad y de todo el amor, ese que también puede ser imperfecto pero que es verdadero.

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La vida secreta de las palabras

Posted by asociacionpya en abril 22, 2010

Existen muchas formas de hablar sobre el dolor, del mismo modo que existen muchas formas de hablar sobre la guerra o sobre la soledad. Isabel Coixet tiene una forma muy personal de contar las cosas y es de esa forma suya, sin ruido, con el amor de fondo, como habla sobre el dolor. La vida secreta de las palabras es una película muy Coixet, en la que los protagonistas pasean un silencio cargado de tristeza por la cubierta de una plataforma petrolífera, en la que la intimidad dentro de una habitación se crea con palabras que no se pronuncian, con mentiras que sólo son un juego, con cuentos que, como todos los cuentos, encierran las mayores verdades.

Coixet habla del dolor en voz baja, en susurros, pero lo sentimos tan claro como si lo gritara. No hace falta mostrar, no hace falta hablar, no hace falta pronunciar aquello de lo que no se puede hablar… Los secretos que esconden las palabras son muy fuertes. En la película llegamos a conocer dos de esos secretos, es un hallazgo la forma en la que sugiere que hay otros secretos, los de los otros habitantes de esa isla en medio del mar. Pero hay algo que aún nos gusta más: Isabel habla del mayor de los horrores, de la tortura de los recuerdos pero también de la salvación, de los futuros, de la posibilidad de que haya una esperanza. De este modo libera la película, libera a los protagonistas y a los espectadores de la tragedia.

Coixet hace un cine muy personal. Hay gente a la que no le gustan sus formas. Hay otros que, sin embargo, valoramos que una directora española sea capaz de hablar de temas interesantes, dándoles un enfoque no manido y currándose los guiones. También que nos deje disfrutar de actores como Tim Robbins (impresionante), Javier Cámara o su actriz fetiche Sarah Polley, que sea capaz de crear atmósferas propias y que pueda mostrar lo más inhumano y todas las penas del mundo sin que haga falta explicitar el horror en la pantalla.

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La cinta blanca

Posted by asociacionpya en marzo 9, 2010

La cinta blanca es casi una obra maestra. Dura, desapacible, oscura a pesar de la maravillosa claridad de los trigales que fotografía, la película con la que Michael Haneke nos sorprende es mucho más que una obra sobre una época histórica. La recreación de un pueblo alemán en el año previo al estallido de la primera guerra mundial, da pie a la puesta en escena de un panorama sobrecogedor. Impresiona pensar que Hitler se crió en un lugar así, que Hitler pudo vivir un ambiente parecido en su casa, en su comunidad… Pero en realidad no son hechos históricos lo que Haneke quiere contar, de lo que el director alemán quiere hablar es del efecto devastador que puede provocar el mal que un ser humano causa a otro y lo hace de una forma perfecta.

En el colectivo que Heneke nos presenta existen dos relaciones perversas: la relación del poderoso (del barón avaro, mezquino, vengativo e injusto) frente a sus gobernados y la relación entre padres (también injustos, también brutales) y sus hijos. Con el trasfondo de la primera, de las relaciones sociales de poder, el guión se centra en la segunda con lo que el tema predominante en la película es la educación, destacando lo importante que es lo que el individuo vive en su niñez y adolescencia. La película es dura pues se muestra toda la basura que hay dentro de las familias y de las casas: el maltrato físico y psíquico, los abusos sexuales, la educación férrea, el peso de una religión protestante que se usa como instrumento de poder y de humillación, la hipocresía de una sociedad que predica el bien y que no lo practica. En la película los protagonistas son los niños, la pureza que se corrompe, la infancia dolorida que aplica exactamente la justicia que se les enseña: el rencor y la venganza.

Llama la atención que en esa educación se echa de menos la presencia de las mujeres. Las madres o están muertas o ausentes de alguna manera (no protegen, no salvan). Se impone la primacía masculina, los instintos (la sexualidad, la violencia) más animales. Es la madre la que falta, es la ternura, la bondad, la protección la que falta. El resultado es un grupo de críos que forman su propia “sociedad” aparte reproduciendo lo que han aprendido. Cualquiera de los personajes, cualquier ser humano que haya sufrido como estos personajes podría convertirse en un monstruo como lo fue Hitler.

Pocos adultos parecen estar al margen de la barbarie. Sin embargo, unos se resignan, a uno se le castiga y otro (el maestro) simplemente observa y narra sin entrometerse. La resonancia con la época hitleriana es también evidente: la destrucción implacable de los justos, la pasividad de la gran mayoría influyó también en todo lo que ocurrió en Alemania.

El film es tan complejo que podrían comentarse muchas cosas. La atención a los mínimos detalles, la forma de exponer lo más repulsivo sin mostrarlo directamente, el modo en que una película de dos horas y media no se hace larga, la manera en la que el director consigue que el espectador se meta de lleno en el ambiente que se narra, el desconcierto que causa el hecho de que todas las historias se queden abiertas y los misterios inconclusos… Es esto último lo que no permite que la película sea redonda pues el espectador busca respuestas a los enigmas. Haneke, sin embargo, parece haberlo hecho a conciencia, obligando al espectador a unir historias y pensar conclusiones.

La película ha estado nominada al Oscar y no se lo ha llevado. No se pueden quitar méritos a El secreto de sus ojos pues es preciosa, sin embargo, la profundidad, la universalidad de la obra de Haneke, la hace quizá más interesante, más intemporal y más intensa.

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Enlaces relacionados:

El secreto de sus ojos

Los falsificadores

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