La vida de los otros

La semana pasada se celebró el 20 aniversario de la caída del muro de Berlín. Por ese motivo, el pasado sábado, en la 2 de TVE, la Noche temática se dedicó a este episodio de la historia europea. La película que se proyectó fue “La vida de los otros“, dirigida por Florian Henckel-Donnersmarck, que en el momento en que la filmó contaba sólo con 33 años. En su momento la película fue un éxito completo recibiendo el Oscar a la mejor película en habla no inglesa 2006 y en los Premios del Cine Europeo, los galardones a Mejor película, mejor guión y mejor actor (Ulrich Mühe).

En La vida de los otros, el capitán Gerd Wiesler (protagonizado por Mühe), instructor y mando intermedio de la Stasi, la policia secreta de la RDA, recibe la orden de espiar al escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) y a su pareja, la popular actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedenk). Los artistas, que aún quieren creer en el socialismo de su país,  descubrirán poco a poco las amargas verdades de un régimen corrupto pero también el eficiente, serio y duro Wiesler hallará una parte de él mismo que desconocía.

No es fácil resumir todas las virtudes de la película: todos los detalles que la hacen al mismo tiempo  entretenida e intensa, todo lo que hace que un drama político, un thriller de espías, sea al mismo tiempo una historia sobre la soledad del ser humano y también sobre la bondad y la esperanza.

Lo más destacable de la cinta es que no hay ningún tópico, ningún maniqueísmo, simplemente personajes reales, personajes que luchan por sobrevivir, que ceden a las circunstancias, que despiertan, que se hunden y se levantan de nuevo, personajes con buenas intenciones y auténticos sinvergüenzas, hombres y mujeres que abandonados a su suerte en una sociedad opresiva  se las arreglan como pueden, salen adelante tomando cada uno su camino… y entre esos personajes un idealista que se equivoca pero que también sabe comprender y perdonar, un hombre bueno que se merece “una balada”, una mujer débil que muestra su fortaleza y su amor de la forma más dramática…. Personajes complejos que nos emocionan, una interpretación excepcional por parte de los tres protagonistas pero sobre todo de Ulrich Mühe, un final que es un homenaje a la ética y a la justicia… un final silencioso, limpio… en el que dos hombres por fin comprenden, en el que dos hombres siguen estando solos pero por fin libres y en paz.

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Los falsificadores

Ha muerto José Luis López Vazquez

El actor José Luis López Vázquez ha muerto hoy a los 87 años. Nacido en Madrid en 1922, López Vázquez  fue actor de teatro, cine y televisión y destacó tanto en la comedia como en el drama. Un gran actor de los que hacían que hasta las “españoladas” tuvieran su gracia pero que además colaboró con grandes directores y participó en películas míticas.

Entre sus comedietas, en las que junto a otros grandes compañeros representó al españolito de a pie, quizá destacar Sor Citroen, La gran familia (de la que además fue co-guionista) y todas aquellas en las que bebía los vientos por las suecas y en las que parlamentaba con su voz inolvidable e imitable.

Junto a estas películas “de pane lucrando” otras grandes para no perderse o para revisar:  Plácido, El verdugo,  Los jueves milagro y la trilogía de Patrimonio nacional (las cuatro de Luis García Berlanga, con quien rodó diez películas), El pisito y El cochecito (de Marco Ferreri), Atraco a las tres( de José María Forqué), La prima Angélica (de Carlos Saura), Mi querida señorita (deJaime de Armiñán) y La colmena (de Mario Camus).

En televisión hay que destacar su participación en El Quijote de Manuel Gutierrez Aragón y su labor como protagonista de La cabina, el clásico de terror de Antonio Mercero, que ganó un Emmy en 1973.

En YouTube podéis ver íntegras La cabina y Atraco a las tres, de la que os dejo una escena.

El secreto de sus ojos

Dos empleados de un juzgado investigan la violación y asesinato de una joven. Con un punto de partida poco novedoso, Juan José Campanella ha creado otra pequeña gran película, como ya hiciera cuando dirigió la conmovedora El hijo de la novia. El tema central del thriller no es nuevo, tampoco la peculiar pareja de amigos protagonistas, tampoco la historia de un amor imposible… nada es original en sí mismo, sin embargo, si es original e interesante el conjunto final. Con una gran sensibilidad Campanella cuenta la historia de Benjamín Espósito (Ricardo Darín), un hombre que después de jubilarse quiere hacer balance de su vida, escribiendo una novela sobre aquel brutal asesinato que le impactó veinte años atrás. Los recuerdos del caso le llevan a hacer entender su propia vida, a comprender el vacío y la soledad de su existencia, a comprender que es su falta de valentía la que le ha llevado a esa situación.

Frente a la actitud huidiza de Espósito (hasta su nombre nos indica su absoluta soledad), Morales (el esposo de la joven asesinada) tiene valor para iniciar una relación con una joven tan hermosa (“no sé como me atreví” dice) y luego para llenar su vida incluso con su ausencia. De él aprende Benjamín que hay que coger el toro por los cuernos y que nunca es tarde. De Irene, su gran amor platónico (personaje al que Soledad Villamil presta sus hermosos ojos), también aprende algo importante: que “la vida es mirar para delante”.

Junto a la lección de vida, junto a una emotiva historia sentimental, junto al thriller con momentos de humor, algún apunte social (una crítica a la justicia corrupta de la Argentina de los años 70) completa esta película con un reparto extraordinario (muy destacable la interpretación de Guillermo Francella), que pasará al elenco de los clásicos latinoamericanos, por su agilidad, por su excelente guión y realización, y por descubrirnos el valor de una mirada.

Paris, je t´aime

Más romántica que comedia, París je t’ aime es una película ligera, sencilla, que sin ser un peliculón no deja de ser un producto interesante.

En el film se cuentan nada menos que diez y ocho historias de amor (amor en el sentido más amplio) de la mano de diez y ocho directores (entre ellos los hermanos Cohen, Gus Van Sant, Isabel Coixet, Wes Craven o Alfonso Cuarón), con el único punto en común de que todas las historias trascurren en París. Entre los actores hay también nombres importantes (Leonor Watling, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Nick Nolte, Elijah Wood, Natalie Portman, Gérard Depardieu… un equipo amplio e importante para una película cuyo mayor valor es quizá el hecho de que el proyecto nunca llega a perder la unidad a pesar de los contrastes en cuanto a tono y estilos narrativos de cada director.

Fahrenheit 451

Basada en la novela de Ray Bradbury, Fahrenheit 451 fue dirigida en 1966 por François Truffaut y protagonizada por Oskar Werner y por una maravillosa Julie Christie. La película trata un tema más que adecuado para este Día del Libro: la existencia de un mundo futuro en el que los libros están prohibidos.

La cinta tiene ya 42 años y tanto en los “efectos especiales” como en otros aspectos resulta un poco ingenua, pero no cabe duda de que es entretenida y es una película imprescindible, un clásico para reflexionar sobre la posibilidad (no tan remota) de que no tuviéramos derecho a leer y sobre el hecho, totalmente real, actual y habitual en los regimenes totalitarios, de que desde los gobiernos se aplique la censura sobre los libros.

Salvo en el contenido y el mensaje básico, la película tiene poco que ver con la novela (mucho más fantástica, mucho más ciencia-ficción). En el filme, Truffaut crea un alegato personal contra la censura, desgranando al mismo tiempo todos los valores que la lectura tiene y puede tener para el ser humano. Es una delicia para los que somos lectores, fijarnos en los títulos de los libros que el director nos quiere destacar: el primer libro que aparece en la película (el primero que se quema) es Don Quijote y en cuanto a la presencia de literatura española se suman a la obra de Cervantes un libro para aprender castellano y un libro sobre Dalí… . Estos curiosos bomberos pirómanos (el colmo de la irracionalidad, el colmo de la ironía) se ocupan de obras muy diversas: clásicos de todos los géneros, nacionalidades y lenguas, mucha literatura francesa, historia, arte, filosofía… y las bibliotecas quemadas, sobre todo la “gran biblioteca” secreta son tan completas y tan poco censuradas que contienen, por ejemplo, “Mi lucha” de Hitler… ¡Toma mensaje subliminal…!

Impagable también el discurso del jefe de incendiarios en el que elabora un parlamento más que lógico sobre lo peligroso que puede ser leer. La proclama incluye el argumento de que leer nos hace diferentes, por lo tanto, si realmente queremos una sociedad igualitaria, no debemos leer.

A lo largo de la película, poco a poco, vamos sintiendo el dolor de pensar que un libro se ha perdido, vamos descubriendo el valor de la lectura como fuente de conocimiento, como fuente de reflexión, como instrumento para provocar emociones y placer, como la muestra más extraordinaria de la riqueza del lenguaje, del pensamiento humano y de la realidad. Vamos viendo toda la belleza y la profundidad que la lectura puede aportar a nuestra vida.

Hoy es el Día del libro. Desde Punto y al arte nos alegramos de que al menos un día al año el libro sea protagonista.

¡FELIZ DÍA DEL LIBRO!

Jesucristo en el cine

Un resumen sobre el tema en Días de cine.

Aparte de los clásicos ¿Cual es tu preferida?

The visitor

De cómo, a golpes de djembé, Malik despertó la conciencia de Walter

Un día, el actor Tom McCarthy se hizo adulto, y decidió empezar a escribir y dirigir pelis; su primera obra, Vías Cruzadas (The Station Agent), ya fue una pequeña gran muestra de una tragicomedia independiente, premiada por crítica y público (aunque, como suele suceder a menudo, no vista por la suficiente gente).

En su segundo trabajo, nos deja una particular visión sobre la inmigración, sin grandes aspavientos, una mirada respetuosa, donde la economía expresiva da paso a la emotividad contenida, a la sutileza de una historia mesurada y maravillosa, en la que asistimos a la evolución de un personaje, un maduro profesor universitario de Connecticut, Walter Vale, a quien se le había “parado” la vida dos décadas atrás, hasta que conoce en Nueva York, por casualidades del destino, a la pareja formada por un sirio, Tarek, y una senegalesa, Zainab, ambos inmigrantes ilegales en esa antaño tierra de las oportunidades. Pero, ay, amigos, hubo una fecha, el 11 de septiembre del 2001, en la que casi todo cambió, y aquellos dos aviones dejaron algo más que un enorme hueco en lo que antes era el WTC, sembraron una semilla de miedo y desconfianza, los corazones se cerraron ante todo aquello que antes era bienvenido o, al menos, tolerado.

Los malos hados persiguieron a Tarek, confinado en uno de esos reductos del universal “vuelva usted mañana”, aquí llamado Departamento Americano de Inmigración. Pero antes de ello tuvo tiempo de tocar el corazón de ese viejo profe hastiado de la existencia, ese sonido del djembé hizo que el prota redescubriera que hay cosas por las que vivir, por las que avanzar, lo mismo que un día hizo Mouna, la madre de Tarek, cuando tuvo que irse de Siria.

En definitiva, a pesar de la sensación amarga que nos deja, la peli es una maravillosa historia de cambio y renovación, cargada de humanidad y sensibilidad, con una incorrección política medida y razonable, tal vez cine político sin pretensiones de ser político.

Inmigración e integración en clave de comedia

Al ver por segunda vez Quiero ser como Beckham, me he dado cuenta de que existe un cierto número de películas dentro del género de la comedia que tratan el tema de la adaptación de las familias inmigrantes a la nueva sociedad de la que forman parte, casi todas, por cierto, con historia de amor interracial por en medio. En casi todas, es la chica la que es de otra raza. En casi todas hay verdades que ocultar a la familia, conservadora a ultranza de las costumbres tradicionales de su país.  En casi todas, el protagonista masculino descubre que a pesar de las dificultades y las diferencias culturales, las familias tradicionales y diferentes a la suya también tienen valores positivos.

La directora británica Gurinder Chadha

Algunas son comedias románticas mediocres:  Sólo los tontos se enamoran con Salma Hayek y Matthew Perric (aquí la chica es hispana) o la sobrevalorada Mi gran boda griega con Nia Vardalos y el estupendo John Corbett (el locutor de radio de Doctor en Alaska). Otras son pequeñas joyas imprescindibles como El banquete de boda dirigida por Ang Lee (esta vez la chica no es chica sino un chico homosexual taiwanés y no hay amor interracial aunque sí conflicto de adaptación cultural). Otra es Quiero ser como Beckham.

Quiero ser como Beckham es una coproducción inglesa- alemana. Dirigida por la británica de origen indio Gurinder Chadha  está protagonizada por Parminder Nagra, Keira Knightley y Jonathan Rhys-Meyers. Una comedia amable que profundiza en la dificultad que una joven india que vive en Inglaterra encuentra para vivir como el resto de sus amigos sin traicionar los valores de su familia, una historia, no descabellada, donde el deseo de jugar al fútbol puede convertirse en un drama familiar subsanable, donde la sociedad india aparece bien retratada, donde todas las frustraciones se solucionan con el diálogo… Una película agradable, conciliadora, donde la historia de amor cede protagonismo a las dificultades que tienen las mujeres en este tipo de sociedades tradicionales. Un película simpática y ejemplarizante que puede verse dos veces… o más.

El luchador de Darren Aronofsky

Aronofsky, uno de esos cineastas que no dejan indiferente, nos ofrece en su cuarto largo una historia archirrepetida, la del perdedor, el “looser” anclado en los buenos viejos tiempos, al que un cepo invisible le impide avanzar, ir más allá; lo interesante es la visión intimista que se hace del personaje: el guión del debutante Robert Siegel se centra en la trayectoria vital de Randy “Ram” Robinson, ese decadente luchador al que un cuarto de siglo ha dejado su legado de cicatrices físicas y emocionales. Al igual que otra de las grandes pelis de este año, Gran Torino, The Wrestler apuesta por el retrato de un personaje “extraído” de su tiempo, un tipo dos veces demasiado viejo: demasiado viejo para luchar y demasiado viejo para aprender a hacer cualquier otra cosa.

La trama podría considerarse un telefilm simplemente bien hecho si no fuera porque se añade algo más: sí, Ram es un tipo decadente, pero la decadencia del personaje se engloba en una atmósfera desolada, en la que no parece haber lugar para nada más. Todo es de una estética feísta, desde el prota hasta su vestuario, su vivienda (un campamento de caravanas) , la ciudad en la que vive (uno de esos lugares horribles de New Jersey), etc. Ello contribuye a aumentar la sensación de soledad y abatimiento de un individuo sin horizontes, aislado en su grandeza perdida, infinitamente solo en un sitio donde no se intuye que viva nadie (se repiten a lo largo de la peli numerosas escenas de calles solitarias, donde parece que la vida ha desaparecido).

No hay interacción entre los humanos, apenas hay relaciones, y las que hay se circunscriben al streap-club al que es asiduo Ram, pero en el que la intimidad “real” entre las chicas y los clientes está prohibida. Me gusta el papel de Marisa Tomei, Cassidy, otra superviviente de quién sabe cuántas batallas, que reconoce al luchador como su semejante, y no duda en echarle una mano. Es igualmente interesante la sensación de amistad o camaradería que se refleja entre los luchadores, se sienten seguros y empáticos en un mundo que conocen, que no les resulta extraño, y que les aleja de las inciertas amenazas de una realidad posterior en la que sí que los golpes hacen daño…

La peli debe muchísimo a la impresionante interpretación de un Mickey Rourke en un estado de gracia, en un rol paralelo a lo que fue su tránsito vital desde los oropeles de los primeros ochenta a sus abismos como pseudoboxeador, y la filosofía de Ram, ese “soy un pedazo de carne vieja, estoy solo y me lo merezco” no podría haber sido mejor encarnada por nadie más (acierto de Aronofsky al imponer su elección sobre el candidato de los productores, Nicolas Cage); es fascinante cómo la steadycam, al mejor estilo kubrickiano, sigue la espalda del protagonista, en unos impactantes planos secuencia en los que se adivina la desolación del ídolo caído. En definitiva, una pequeña gran película, que demuestra cómo se pueden contar buenas historias con poco presupuesto.

Gran Torino

Sobre lo viejo y lo nuevo

Eastwood es uno de esos tipos que deberían seguir siempre haciendo cine; sobre un guión anecdótico, una pequeñísima historia escrita por Nick Shrenk, y muchas menos pretensiones que su otra entrega del año, El Intercambio, Clint se curra un pedazo de historia sin desperdicio. Con una modesta apariencia, y un leit-motiv cercano al telefilm, la trama principal se presenta cruzada con una serie de subtramas de mucho más calado, siendo el eje central ese choque de tiempos, en el que Walt Kowalski se da cuenta, tras la muerte de su mujer, de que todo es diferente, el mundo que conocía se desmorona, y pequeños islotes de su tiempo apenas sobreviven ante la imparable oleada de cambios. En un principio, todo parecía indicar que se iba a convertir en el típico viejo cascarrabias, encerrado en su casa, y pendiente de echar a aquél que osara perturbar su lento caminar hacia la muerte, hasta que se da cuenta de que esos vecinos son algo más que amarillos que pisotean su césped, que la fuerza de las personas va más allá de la gilipollez de los prejuicios, y que siempre se puede aprender algo nuevo. No es tan duro como aparenta, empieza a empatizar con esa gente tan rara, esos Hmong que se ríen cuando alguien les grita, que cocinan cosas bastante más ricas que la ternera seca, tan americanos como él, viejo polaco, el tipo irlandés de la construcción, o el jodido italiano de la barbería. Ya no es el Detroit de la Ford, aunque el Gran Torino del 72 sea el símbolo de esos viejos buenos tiempos (ay, qué recuerdos de Starsky y Hutch), tótem de algo que nunca volverá, porque todo fluye, nada permanece.

La peli es un tour de force del Eastwood actor, cuatro años después de la última vez que se puso delante de las cámaras, componiendo un personaje crepuscular, un viejo al que aún le queda la última bala, que sabe susurrar, gruñir, escupir, amenazar con el dedo o con la mirada, tierno y cabronazo al mismo tiempo, un rol en el que no es descabellado imaginarse a un Harry Callahan jubilado, homenaje con vuelta de tuerca en la escena final, guiño al western. El resto casi existe para completar la personalidad de Walt, dentro de una corrección general en la que cabría destacar a Thao (el chico al que Kowalski da sus últimas lecciones de vida), a Sue (la chica que tiene esa rara cualidad de saber ver “más allá” de las apariencias), o al Padre Janovich, el cura con el que Clint comparte alguna de las mejores escenas de la peli (descacharrante, la confesión de los tres pecados de Walt). Formalmente, no hay mucho que decir de la fotografía, a cargo de Tom Stern, el habitual colaborador del director desde su Deuda de Sangre en el 2002, y mola la cancioncita que se marca Eastwood con Jamie Cullum en los créditos finales.

En definitiva, una pequeña gran película, en la que el veterano realizador da una tesis de cómo contar una historia humana y sencilla, de cómo reformular algo que habremos visto mil veces, como es eso tan viejo del choque de culturas.

 

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